La Biennale di Venezia – 59° edizione

La Biennale di Venezia è un’associazione culturale  tra le più importanti in Italia con sede appunto a Venezia.
E’ attiva su più fronti culturali come le arti figurative , il cinema , la danza, l’architettura, il teatro… e organizza eventi nella città lagunare esplorando queste aree artistiche.

Quando si parla di Biennale si pensa però sopratutto all’esposizione di arte contemporanea che ogni due anni trasforma Venezia nella capitale dell’arte e richiama appassionati e curiosi da tutto il mondo.

BREVE STORIA DELLA BIENNALE

L’inaugurazione della prima esposizione risale al 1895 quando si volle creare in Italia un qualcosa che somigliasse alle esposizioni internazionali di Parigi o Vienna.
in breve tempo occupa un posto di rilievo e attraversa tutto il ‘900 diventato lo specchio delle situazioni storiche del momento e oggi un grande serbatoio della memoria storica-artistica-politica di un secolo intero.

Proprio per emulare il salone internazionale di Parigi si decide fin da subito di collocarla nello spazio dei Giardini in modo che fosse un luogo dove poter passeggiare tra l’arte e la laguna.

Ai giardini quindi fu costruito il primo padiglione centrale italiano che oggi è il Padiglione centrale della Biennale e ospita opere di varie nazionalità. Seguirono poi la costruzione di altri padiglioni nazionali, prima quello del Belgio , poi Ungheria e Russia e via via gli altri ospiti fissi internazionali con l’intervento di grandi architetti.

Negli anni ’80 poi gli spazi si dilatano e La Biennale di Venezia inizia ad interessare altri quartieri di Venezia come l’Arsenale. Oggi La Biennale è dislocata in tutta la città. Per accedere ai due spazi principali , Arsenale e Giardini, serve un biglietto, ma poi ci sono padiglioni o installazioni e mostre in ogni sestriere aperte al pubblico gratuitamente.

59° Edizione – IL LATTE DEI SOGNI

La Biennale di Venezia quest’anno è giunta alla sua 59esima edizione . La curatrice è Cecilia Alemani e il titolo è “IL LATTE DEI SOGNI” che è il titolo di un libro di racconti per bambini della scrittrice e pittrice britannica Leonora Carrington.

I suoi racconti vengono riletti come metafora di “un mondo magico in cui la vita viene costantemente rivisitata attraverso il prisma dell’immaginazione, e dove ognuno può cambiare, essere trasformato, diventare qualcosa o qualcun altro”.

I 3 temi portanti della mostra sono:

-la rappresentazione dei corpi e la loro metamorfosi

-la relazione tra gli individui e la tecnologia

-i legami che si intrecciano tra i corpi e la terra.

A declinare in arte queste tematiche sono stati 213 artisti provenienti da 58 paesi.

“Il latte dei sogni non è una mostra sulla pandemia ma registra inevitabilmente le convulsioni dei nostri tempi. In questi momenti, come insegna la storia della Biennale di Venezia, l’arte e gli artisti ci aiutano a immaginare nuove forme di coesistenza e nuove, infinite possibilità di trasformazione.”

Cecilia Alemani

I MIEI PADIGLIONI PREFERITI

(Alcune descrizioni sono prese dal sito ufficiale della biennale)

PADIGLIONE BRASILE (Giardini)

Com o coração saindo pela boca / con il cuore che esce dalla bocca

Jonathas de Andrade basa il proprio lavoro sul suo profondo interesse per una cultura autenticamente “popolare”. L’installazione si compone di un elenco di espressioni idiomatiche e proverbi che attingono alle metafore sul corpo umano e di una serie di opere d’arte che danno vita alla straordinaria carica poetica di questi detti, rendendoli tangibili.

Due immense orecchie poste all’ingresso e all’uscita del Padiglione per la Biennale di Venezia alludono all’espressione popolare Entrar por um ouvido e sair pelo outro, consentendo ai visitatori di “entrare da un orecchio e uscire dall’altro”, mentre un pallone gonfiabile, che riempie lo spazio in vari momenti della giornata, fa riferimento a un’altra espressione: Coração saindo pela boca (Con il cuore in gola). Nel complesso, le opere costituiscono un elenco parziale e allusivo, ma fortemente fisico, delle sensazioni provate da un immaginario corpo brasiliano, tradotte in espressioni dirette e talvolta divertenti, tuttavia capaci di catturare e trasmettere il momento storico che stiamo vivendo in tutta la sua complessità.

PADIGLIONE DANIMARCA (Giardini)

We Walked the Earth
Entrate in un mondo iperrealistico di inaspettata drammaticità. Ambientato in un curioso e ibrido arco temporale in cui gli elementi del passato storico della vita rurale danese si mescolano a ignoti fenomeni del futuro fantascientifico di un mondo transumano, la trama si snoda attorno a una famiglia composta da tre persone.

Tuttavia, il fatto che non si tratti di una famiglia qualsiasi diventa palese nel preciso istante in cui entriamo nella casa, incontriamo i suoi abitanti e ci aggiriamo per le stanze in cui si trovano oggetti personali, cibo e attrezzi da lavoro. Ma chi è questa famiglia e cosa le è accaduto? E cosa è accaduto al mondo in cui vivono?

La risposta non è così ovvia. L’intera ambientazione di Uffe Isolotto è pervasa da profonda incertezza. È impossibile dire se sia tragica o intrisa di speranza. Forse entrambe le cose? La famiglia incarna la complessa e inquietante esperienza legata all’andare avanti nel mondo di oggi drasticamente cambiato? Se così fosse, la domanda più ampia sarebbe la seguente: cerchiamo rifugio in chi eravamo o cerchiamo delle vie di fuga in chi potremmo diventare?

PADIGLIONE ITALIA (Arsenale)

Storia della Notte e Destino delle Comete è il titolo del progetto espositivo del Padiglione Italia alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia , promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. A cura di Eugenio Viola, per la prima volta nella storia del Padiglione Italia, presenta l’opera di un solo artista: Gian Maria Tosatti.
Storia della Notte e Destino delle Comete si configura come una grande installazione ambientale pensata appositamente per gli spazi delle Tese delle Vergini, occupandone l’intera superficie, e propone una visione dello stato attuale dell’umanità e delle sue prospettive future.

Una complessa macchina narrativa esperienziale che conduce il visitatore in un percorso sensibile, a tratti familiare e in parte spiazzante, con l’obiettivo di offrire una consapevolezza nuova e generare riflessioni concrete sul possibile destino della civiltà umana, in bilico tra i sogni e gli errori del passato e le promesse di un futuro ancora in parte da scrivere.

L’Italia, con la sua particolare vicenda storica di giovane nazione reduce da due guerre mondiali interessata da una straordinaria crescita economica, il cosiddetto “miracolo italiano”, offre lo scenario per la costruzione di questo progetto espositivo. Lo spazio della prima Tesa costituisce un viaggio nel Bel Paese e coincide con la Storia della Notte, ovvero il racconto simbolico dell’ascesa e del declino del sogno industriale italiano. Una sequenza di scenari spiazzanti prepara a una visione finale in cui l’immaginario si ribalta in una vera e propria epifania.

Proseguendo si giunge alla visione finale, il Destino delle Comete, che ricorda come la natura oltraggiata, fin dai tempi del diluvio, non perdoni l’uomo. In questa immagine, epilogo potente e inquietante, si leva un elemento inversamente perturbante, il segno di una pace possibile. Il percorso si conclude quindi con un messaggio di speranza sul destino che attende questa umanità che, come una cometa, ha attraversato con una grande scia luminosa l’universo.

«Darei l’intera Montedison per una lucciola», scrive Pier Paolo Pasolini nella chiusa del celebre articolo “Il vuoto del potere” (Corriere della Sera, 1° febbraio 1975) su un passaggio epocale raccontato attraverso la metafora della scomparsa delle lucciole, intesa come ultimo ed efferato delitto del nuovo fascismo: il neocapitalismo.

PADIGLIONE STATI UNITI (Giardini)

Simone Leigh: Sovereignty

Caratterizzato da un interesse per la performatività e l’affezione, l’ampio corpus di lavori di Simone Leigh in scultura, video e performance analizza la costruzione della soggettività Black famme.

Le grandi opere scultoree di Leigh uniscono forme derivate dall’architettura vernacolare e dal corpo femminile, rendendole attraverso materiali e processi associati alle tradizioni artistiche dell’Africa e della diaspora africana, ridefinendo le nozioni di spazio, tempo ed esistenza. Sovereignty mescola storie e narrazioni disparate, comprese quelle relative alle rappresentazioni rituali dei popoli Baga in Guinea, alla prima cultura materiale dei neri americani del distretto di Edgefield nella Carolina del Sud e alla storica Esposizione coloniale di Parigi del 1931.

Con una serie di nuovi bronzi e ceramiche Leigh colma le lacune della documentazione storica proponendo nuove ibridazioni.

PADIGLIONE VENEZIA

ALLORO
TUTTO MUTA, NULLA MUORE, TUTTO SCORRE E OGNI IMMAGINE SI FORMA NEL MOVIMENTO

Alloro è un viaggio che affronta il cambiamento, la metamorfosi, attraverso la natura e l’arte, che ha inizio nella psiche, in un luogo pulito, quasi asettico, perfetto e si conclude nella Terra, un percorso che si compie nel movimento. Un movimento in cui ogni singolo passaggio è scandito dal ritmo di una musica, suoni che non sono un sottofondo, ma che nascono essi stessi come un’opera.

«Il progetto espositivo del Padiglione Venezia, quest’anno intitolato Alloro, ha fondamentalmente tre temi di fondo: l’avvicinamento dell’uomo alla natura, la forza della donna e la metamorfosi spiegata dall’arte. L’alloro è, infatti, il simbolo per eccellenza della metamorfosi. – racconta il curatore Giovanna Zabotti – Metamorfosi in tutte le accezioni del suo significato: nel suo senso di trasformazione di un essere in un altro di natura diversa e come elemento tipico di racconti mitologici, religiosi, magici.

La novità di questo Padiglione della Biennale di Venezia sta nel fatto che il visitatore non vedrà le opere d’arte ma le vivrà: si muoverà al suo interno ad un ritmo preciso scandito da una musica, che lo porterà inizialmente ad indagare il proprio io, per poi vivere una sorta di percorso emozionale in tre dimensioni, fino ad assaporare lo sguardo dei giovani artisti verso il futuro».

Questa “esposizione in movimento” si apre con il duo di artiste Goldschmied & Chiari, che ha creato una sorta di tempio celebrativo della femminilità. Le due sale sono costruite come un gioco di luci e ombre e rappresentano la soglia di mondi enigmatici tra l’alchimia e la magia, denominati Portali. Il centro del percorso, introdotto da una introduzione al tema intitolata Best Wishes di Ottorino De Lucchi, è l’istallazione Lympha, il mito di Dafne e Apollo reso in chiave moderna dall’artista Paolo Fantin con il gruppo Ophicina e accompagnato dalla musica, intitolata Gocce di Alloro, del maestro Pino Donaggio. La mostra si conclude in un piccolo “bosco” di alloro, esterno alla struttura.

La terza e ultima sala è occupata dalle opere vincitrici del concorso Artefici del Nostro Tempo.

PADIGLIONE UNGHERIA (Giardini)

Dopo i sogni: ho il coraggio di sfidare i danni

La mostra di Zsófia Keresztes per la Biennale di Venezia affronta le tappe della ricerca di identità. Il concetto di fondo si rifà al “dilemma del porcospino” di Arthur Schopenhauer. Il punto di partenza associativo è un episodio del romanzo di Antal Szerb del 1937 Il viaggiatore e il chiaro di luna, usato dall’artista come analogia poetica. La mostra, in quattro sezioni, esplora sia l’ambivalente rapporto tra passato / presente e futuro, sia le fasi attraverso le quali le persone tracciano la propria identità. Liberati nel reciproco riflesso dal peso delle esperienze comuni e individuali, i frammenti di corpo – separati ma esistenti come unica comunità – tentano di raggiungere la loro forma finale.

PADIGLIONE COSTA D’AVORIO

The dreams of a story

Questo è uno dei padiglioni “free” della Biennale di Venezia. Si trova ne quartiere di Dorsoduro.

Le storie contribuiscono a definire il valore della creazione spontanea, quando si vuole interpretare e rappresentare la realtà socioeconomica del soggetto e del collettivo. Fondere, attraverso l’arte, tradizioni e innovazione, memorie e sogni del futuro. Aboudia descrive una società africana lacerata nel tessuto sociale. Armand Boua ritrae la condizione umana come risposta alle disumanità nel mondo.

Frédéric Bruly Bouabré è uno dei padri fondatori dell’arte contemporanea africana. Aron Demetz esplora il mondo attraverso un universo scultoreo parallelo, abitato da creature immaginarie. Laetitia Ky denuncia con la metamorfosi del corpo le condizioni umane contemporanee. Yeanzi rielabora un’iconografia in grado di trasformare le esperienze del suo paese in una nuova forma espressiva per il futuro.

Laetitia Ky, è anche una star di Tik Tok. Se quando si guardano le sue foto è facile pensare che indossi una parrucca nei suoi video mostra come realizza le “sculture” partendo dai suoi capelli.

I MIEI ARTISTI PREFERITI

TETSUMI KUDO

1935 – 1990, Giappone

Tetsumi Kudo apparteneva a una generazione di artisti giapponesi estremamente scettica rispetto alla società tradizionale a seguito degli avvenimenti della Seconda guerra mondiale. Figura essenziale nello sviluppo dell’Anti-Arte degli anni Cinquanta a Tokyo, Kudo partecipa regolarmente all’annuale Yomiuri Indépendant Exhibition – al tempo, lo spazio più significativo per l’arte contemporanea del Giappone – esponendo opere che manifestano una critica acuta al consumismo rampante e all’ortodossia politica caratteristici del Paese nel periodo della ripresa postbellica.

Dopo essersi trasferito a Parigi nel 1962, l’artista inizia a realizzare opere facendosi guidare dall’intuizione per cui, in una “nuova ecologia” in cui esseri umani, natura e tecnologia sono diventati interconnessi, i valori etici sono intercambiabili tanto quanto le merci di largo consumo.

Questo ethos è evidente in Your Portrait (1966), in cui un bulbo oculare è fissato all’interno di una scatola. Cultivation (1972) presenta un giardino di cactus imprigionati in un’allegra gabbietta rosa fluo. Kudo impiega spesso colori fluorescenti per conferire una sconcertante aura high tech a forme naturali, come nel caso dei luminosi Flowers (1967–1968) o delle tonalità acide dei falli ritratti in Pollution-cultivation-nouvelle écologie (1971). Le sue visioni di un mondo postnaturale colgono il distacco ambiguo di un universo riplasmato dal desiderio umano. 

Ian Wallace

BARBARA KRUGER

1945, USA

Le immagini e i testi di Barbara Kruger sono riconosciuti per la loro potenza retorica e urgenza visiva. Tra gli anni Sessanta e Settanta, Kruger lavora come grafica e photo editor per riviste come “Mademoiselle”, “Vogue”, “House & Garden” e “Aperture”. Qui sviluppa la sensibilità grafica che in seguito le sarebbe stata strumentale nella pratica artistica, in cui utilizza ingrandimenti di foto in bianco e nero tracciati da stringati aforismi nelle font Futura Bold Oblique o Helvetica Ultra Condensed, sovraimpressi su fasce rosse o nere, secondo uno schema ormai iconico.

Alla fine degli anni Settanta, Kruger inizia a realizzare opere che esaminano l’ideologia dei mass media da una prospettiva femminista. Nel corso degli anni, questa metodologia si amplia fino a comprendere l’ingrandimento su larga scala e la spazializzazione della sua pratica visiva attraverso l’utilizzo di immagini fisse e in movimento. Posizionata all’estremità dell’edificio delle Corderie, la nuova installazione di Kruger per Il latte dei sogni si adatta ai parametri spaziali dell’ambiente che la ospita e include tre video a canale singolo.

Le imploranti espressioni di comando (“PLEASE CARE”, “PLEASE MOURN”) invitano l’osservatore a un incontro diretto con l’opera d’arte, utilizzando la formula ironicamente disincarnata tipica della pratica dell’artista per richiamare l’attenzione sulle viscere e sulle deiezioni del nostro corpo.

Madeline Weisburg

KAPWANI KIWANGA

1978, Canada

La pratica artistica di Kapwani Kiwanga attinge alla sua formazione in antropologia per creare lavori cinematografici, sculture, performance e installazioni che esplorano la lotta al colonialismo e l’attenzione ai sistemi di potere attraverso una commistione di strategie concettuali, architettoniche e formali. In Plot (2020), una recente installazione site-specific realizzata per la Haus der Kunst di Monaco, Kiwanga appende alla sala centrale del museo tre dipinti semitrasparenti di grandi dimensioni evocando i colori che caratterizzano il vicino Englischer Garten.

Queste tende svolgono anche la funzione di contenitori di sculture ibride in metallo, materiali gonfiabili e piante. Ispirati alle teche di Ward del XIX secolo – contenitori in vetro utilizzati per importare piante straniere in Europa –, le sculture suggeriscono come l’architettura e la natura siano state storicamente manipolate per servire i desideri dell’umanità.

Opere come Dune (2021) incorporano elementi organici soggetti allo sfruttamento umano e, in particolare, la sabbia utilizzata nel fracking – l’estrazione di petrolio e gas praticata nel Sud del Texas.

Terrarium, una nuova installazione per Il latte dei sogni fonde gli aspetti trattati in questi ultimi progetti. Qui Kiwanga crea un ambiente ispirato ai colori del deserto al tramonto che unisce grandi dipinti semitrasparenti a una serie di sculture in vetro contenenti sabbia. L’artista definisce la sabbia come materiale politico: un danno provocato dall’industria petrolifera e un richiamo alla crescente aridità del pianeta.

Madeline Weisburg

PRECIOUS OKOYOMON

1993, Regno Unito

Precious Okoyomon – che pratica poesia, arte e cucina – realizza topografie scultoree composte di materiali vivi, in crescita, in decomposizione e morenti, tra cui terra, rocce, acqua, fiori selvatici, lumache e piante rampicanti. Per Okoyomon la natura è legata all’impronta storica della colonizzazione e della schiavitù.

Nel lavoro dell’artista, piante come il kudzu – una pianta originaria dell’Asia, introdotta per la prima volta dal governo degli Stati Uniti nelle fattorie del Mississippi nel 1876 per contrastare l’erosione del suolo locale che si era degradato a causa della coltivazione intensiva di cotone, ma poi trasformatasi in specie estremamente infestante – diventano metafora dell’intrecciarsi di schiavitù, razzializzazione e diaspora con la natura, nonché il simbolo di cambiamento e rivitalizzazione.

Nell’opera per Il latte dei sogni, To See the Earth before the End of the World (2022), il cui titolo è tratto da una poesia di Ed Roberson, le sculture di Okoyomon sono disposte sullo sfondo di un campo di piante selvatiche; qui il kudzu riappare accanto a un intreccio di fiumi e canne da zucchero, queste ultime coltivate nell’orto della nonna dell’artista durante gli anni dell’adolescenza in Nigeria. Come il kudzu, anche la canna da zucchero è una pianta la cui stessa essenza è satura delle circostanze economiche e storiche legate alla tratta transatlantica degli schiavi.

Seguendo l’esempio dell’opera teatrale Monsieur Toussaint di Édouard Glissant, la cui nativa Martinica era un tempo uno dei maggiori produttori di zucchero al mondo, in questa installazione Okoyomon intende invocare una politica di rivolta e rivoluzione ecologiche.

Madeline Weisburg

RAPHAELA VOGEL

1988, Germania

Le creature del mondo naturale esercitano un grande fascino sull’artista tedesca Raphaela Vogel, che nelle sue ambiziose installazioni multimediali impiega frequentemente parti di animali naturali e sintetiche, come pelli di alci, bovini, capre, leoni, frammenti di cuoio, dinosauri giocattolo e statuette di cavalli. Spesso, alle forme di animali scuoiati, l’artista associa video realizzati per mezzo di tecnologie digitali avanzate, come scanner e droni e sofisticate tecniche di montaggio, accompagnandoli talvolta con stridenti colonne sonore dark metal.

Con la creazione di mondi oscuri ed enigmatici, i suoi ambienti rievocano miti, relitti e sacrifici rituali tratti tanto dalla storia dell’arte e della letteratura quanto dall’immaginazione dell’osservatore. Questa modalità di sperimentazione sul corpo trasfigurato compare nuovamente ne Il latte dei sogni per la Biennale di Venezia ; il modello anatomico di un pene, gigantesco e colorato, si mostra afflitto, in maniera quasi fumettistica, da diverse patologie e condizioni indicate in una serie di targhe esplicative: cancro alla prostata e ai testicoli, condilomi genitali, disfunzione erettile.

Così malconcio, il pene scolpito è accasciato su un carro preceduto da un gruppo di giraffe bianche che lo trainano con protervia, come fosse un nobile aristocratico o il membro di una famiglia reale immaginaria. Collocandosi nel dominio del fantastico, l’umorismo della composizione di Vogel propone un altro effetto: nella visione dell’artista il corpo frammentato vive esperienze proprie.

Madeline Weisburg

TAU LEWIS

1993, Canada

Tau Lewis trasforma tessuti e artefatti di recupero in talismani immaginari ed esseri magici che popolano mondi fantascientifici. Evocando le opere delle trapuntatrici di Gee’s Bend, i quilt di Faith Ringgold, gli assemblage di Betye Saar, e le oniriche “casette” di Beverly Buchanan, l’artista crea dei monumenti sovversivi, rendendo omaggio alle filosofie dell’ingegnosità materica come un gesto rappresentativo delle comunità diasporiche. Attivando la malleabilità ideologica dei tessuti e la loro storica associazione alla manodopera femminile, Lewis azzera lo spazio tra la sfera artistica e quella politica, soprattutto tra le pratiche tradizionalmente descritte come artigianato, ritualità o arte.

L’artista mette i tessuti e la realizzazione manuale al centro di una ricerca su identità, corpo e natura. I suoi corpi di fantasia sembrano nascere da un giardino artigianale e diventare contenitori protettivi in opposizione al mito secondo cui non può esistere una relazione di cura e guarigione tra il corpo nero e il paesaggio.

Con la sua nuova serie, Divine Giants Tribunal (2021), l’artista presenta maschere gigantesche di 3 metri di altezza. Cuciti a mano con ritagli di tessuto, di pelliccia e di pelle, questi volti monumentali stabiliscono una discendenza materiale non solo con il lavoro precedente di Lewis ma anche con la simbologia e gli oggetti mitici. Ispirandosi alle maschere Yoruba e agli scritti del drammaturgo nigeriano Wole Soyinka, Lewis mette in scena le mitologie mistiche radicate in queste maschere.

Madeline Weisburg

ALTRI PADIGLIONI E ARTISTI

INFO PER LA VISITA

I biglietti per la Biennale di Venezia sono acquistabili SOLO ONLINE. C’è un info Point di aiuto all’acquisto ai giardini.

Il costo del biglietto intero è di 25€ e vale 1 ingresso all’arsenale e 1 ingresso ai giardini anche in giorni diversi. Numerose sono le riduzioni (over 65, under 26, gruppi …)

Orari della Biennale di Venezia (aperta fino al 27 novembre 2022)

• Dal 23 aprile al 25 settembre, ore 11 – 19;
• dal 27 settembre al 27 novembre, ore 10 – 18;
• solo sede Arsenale, fino al 25 settembre: venerdì e sabato apertura prolungata fino alle ore 20 (ultimo ingresso: 19.45).

Chiuso il lunedì

Ma trovate tutte le info a riguardo direttamente sul sito della biennale

Accessibilità e servizi

La Biennale di Venezia ha una buona accessibilità per sedie a rotelle e passeggini con presenza di rampe e ascensori.

Nelle sedi espositive è previsto un servizio di trasporto di cortesia con auto elettriche per i visitatori con ridotte capacità motorie.

Arrivando dalle Rive anche i ponti di Venezia consentono il passaggio grazie a delle passerelle (cosa che non è presente nei ponti delle calle interne).

Sono disponibili percorsi dedicati a un pubblico ipovedente o non vedente, con focus su aspetti linguistici e di contenuto.

Sono disponibili percorsi dedicati alla comunità Sorda, con possibilità di svolgere attività educational in lingua dei segni italiana (LIS).

All’interno sono presenti bagni, bar e ristoranti in entrambe le sedi.

Le fermate del Vaporetto sono Arsenale e Giardini.

Qui potete scaricare la Brochure della Biennale di Venezia.